Intervención Pedagógica Artística en un aula

Hoy, 20 de noviembre de 2017, mis compañeras y yo hemos realizado una Intervención Pedagógica Artística en un aula de Educación Primaria. Elegimos el primer curso del primer ciclo de dicha etapa y fue desarrollada en el CEIP Nuestra Señora del Patrocinio, que se encuentra en San José de la Rinconada, a tres kilómetros de La Rinconada, que es el municipio original.

El tema principal que queríamos tratar era El derecho a la igualdad. Dicho tema ha sido trabajado con una adaptación de la pintura mural: se ha elaborado un puzzle con piezas aportadas por todos los alumnos y al final de la clase se ha "expuesto" a forma de mural.

Creemos que este tema es muy importante tratar con los alumnos desde tan pequeños, ya que hoy en día los casos de bullying aumentan considerablemente. Es necesario que los alumnos tomen conciencia de que aunque por fuera seamos todos diferentes, interiormente todos somos iguales, con los mismos derechos y oportunidades.

Aquí muestro el resultado:

Desarrollo evolutivo gráfico-creativo del niño

Mediante los dibujos podemos llegar a entender algunas de las emociones o sentimientos que los niños sienten en un momento determinado y que no son capaces de expresar.

Primero, con ello podemos reconocer la madurez psicológica de un niño, algo muy interesante, ya que todos hemos pasado por las mismas etapas. Da igual del país y cultura de la que se proceda, da igual de la etnia a la que pertenezcamos, todos los seres humanos pasamos por cada fase. Todos tenemos un hilo conductor común, hablando de la evolución gráfica, con distintas formas de ver el mundo, pero con el mismo vocabulario, ya que se aprende de forma intuitiva.

Para ello, hay que adaptar los planteamientos de creación artística. A un niño de primero de primaria no puedes pedirle que haga algo que no se adecue a su desarrollo psicomotriz. Los patrones educativos que se han ido implantando es que el niño tiene que salir de la infancia para llegar cuanto antes a ser adulto. Por tanto, hay que adaptar las técnicas y procedimientos artísticos a su nivel creativo.

La Profesora Doctora Luisa María Martínez (UMA) distingue tres estadios es en desarrollo evolutivo gráfico-creativo de un alumno/a:

1. Estadio psicomotor.

• Etapa de expansión cinestésica no controlada.
• Definición: el ojo sigue a la mano (Lurçat, 1980). Placer motriz.
• Etapa: entre 18 y 24 meses.
• Características gráficas: Movimientos rápidos curvos y amplios.
• Tipologías: barridos, garabatos amplios y curvos (madejas).
• Bucles.

• Etapa inicial de control viso-motriz.
• Definición: el ojo conduce a la mano (Lurçat, 1980)
• Etapa: entre 24 meses y 3 años.
• Características gráficas: control de la velocidad, cinestésicos, modulación del trazo…
• Inicio de control gráfico.
• Significado: inicio del juego simbólico.

• Etapa celular o constructiva.
• Definición: el entrenamiento viso-motriz cada vez más desarrollado, hace posible partir el trazado de un punto escogido y poder conducirlo voluntariamente hasta otro punto determinado del espacio, decidiendo su dirección y el punto final en que termina.
• Etapa: entre los 3 años y 4 años.
• Características gráfica: etapa puente. Inicio de diferenciación y aparición de los primeros monogramas básicos (unidades estructurales simples que constituyen la base de la expresión gráfica).

• Creación de estructuras combinadas. Herramientas básicas para su vocabulario básico posterior.

• Ideograma como referente simbólico: confluencia del lenguaje oral y plástico. Monograma o conjunto de monogramas que mantienen una analogía global con el objeto enuncia y tienen con respecto a este un carácter polivalente o polisémico.
• Uso del color: emocional, funcional y/o diferenciador.

2. Estadio realismo conceptual.

• Etapa experimental.
• Definición. Etapa de inicio de creación de vocabulario básico gráfico. Etapa centrada en el objeto más que en las relaciones contextuales.
• Etapa: 4 y 6 años.
• Concepto de forma: etapa de predominio iconográfico (figurativo) aunque coexisten los niveles no figurativo y figurativo. El iconograma como concepto gráfico figurativo que puede ser identificado y adquiere un carácter selectivo y unívoco.
• Concepto de espacio: el concepto de espacio aún no está definido con un orden estable. La horizontalidad o verticalidad determinan las dos direcciones básicas.
• Organización espacial referente al objeto.

• Organización espacial referente al contexto. Nexos parciales, orden compositivo o preliminar.

• Consolidación del código gráfico.
• Definición: asimilación con carácter permanente de los códigos. Consolidación de un orden simbólico que evoluciona dependiendo de tres factores: valor individual, intersubjetivo y social.
• Etapa: entre 6 y 9 años.
• Fijación de iconogramas: representaciones esquemáticas puras.
• ¿Por qué?: experiencias sensitivas (Superficiales o profundas), criterios cognitivos, factores emocionales.
• Recursos que modifican la representación esquemática:
• Énfasis: ampliación de partes sensitivas. Ejemplo: si llueve mucho, las gotas de agua son más gordas, pero no hay más cantidad.

• Omisión: excluyen o reducen partes significativas. Ejemplo: dibujar a la madre más grande por la cercanía emocional que tenga con ella.

• Anexión: creación de símbolos secundarios para la transcripción de la experiencia.

• Sustitución: cambio o simultaneidad de símbolos establecidos.  Ejemplo: dibujar un mismo objeto de dos formas distintas dependiendo de donde estén dibujados.

• Concepto de espacio:
• Emergencia del nexo global: temática.
• Línea base y otras soluciones espaciales.

• Omisión de línea base: omisión por experiencia emocional, múltiples o enumerativa.

• Abatimiento o plegado: objetos o personas aparecen tumbadas cuando para el niño estarían de pie.

• Espacio y relación con el tiempo: secuencialidad representada como cómic o por repetición de códigos.
• Figuración del movimiento: estadio en el que prevalecen los aspectos simbólicos.
• Relaciones color-objeto: cobra sentido semántico pero con valor subsidiarios y complementario.

3. Estadio analítico.

• Realismo descriptivo:
• Definición: crisis formulación simbólica y emergencia de realismo analístico. Apertura al mundo cultural adulto y comienza la pérdida de la codificación lingüística. Paso del individuo al grupo. Tendencia a la objetivación en detrimento de la subjetivación.
• Etapa: entre 9 y 12 años.
• Cambio de estructuras formales en este periodo. El concepto de la figura humana.
• Declive de reglas anteriores del estadios anterior (influencia entorno social y cultural).
• Búsqueda de formas objetivas abandonado el geometrismo sintético gráfico anterior.
• Desaparición de monogramas y pérdida del carácter simbólico.
• La representación del espacio.
• Percepción más objetiva del entorno. 
• Desaparición paulatina de la línea base.
• Inicio representación óptica de lo cercano y lejano. 
• El concepto de color.
• Descriptivo y emocional.

• Autonomía consciente:
• Definición: consumación de la crisis total del anterior estadio. Porqués:
• Preponderancia del realismo visual.
• Complejidad de relaciones socioculturales.
• Desarrollo de la conciencia crítica.
• Inhibición artística
• Etapa: de los 12 a los 14 años.
• Afrontar la creación artística: figura humana, espacio y color.
• Tendencia objetiva (o subjetiva -con códigos objetivos-).

Prácticas artísticas

Todo lo que tenga que ver con el arte tiene su práctica artística. Existen las tradicionales y las contemporáneas, ayudadas por el descubrimiento de las nuevas tecnologías.

Podemos encontrar numerosos tipos. Entre ellos, destacamos:

• Pintura: arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas.
• Escultura: arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, etc. Representando objetos o figuras de bulto.
• Música: arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos.
• Teatro: rama del arte escénico relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música sonido y espectáculo.
• Danza: forma de arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos.
• Cine: arte de representar imágenes en movimiento por medio del cinematógrafo. La historia de la cinematografía se inicia en 1895, año en que los hermanos Lumière realizan en París la primera proyección cinematográfica.
• Arquitectura: arte y la ciencia de diseñar edificios. En los siglos pasados, los arquitectos se ocupaban no sólo de diseñar los edificios, sino que también diseñaban ciudades, plazas, alamedas y parques, y objetos de uso en las edificaciones, como los muebles.
• Literatura: arte que utiliza como instrumento la palabra. Por extensión, se refiere también al conjunto de producciones literarias de una nación, de una época o incluso de un género (la literatura griega, la literatura del siglo XVIII, la literatura fantástica, etc.) y al conjunto de obras que versan sobre un arte o una ciencia (literatura médica, literatura jurídica, etc.). Es estudiada por la teoría literaria.

• Algunas prácticas artísticas contemporáneas:
• Arte Povera: corriente estética creada como reacción frente al arte tradicional. Se vale de objetos de desecho o sin valor real ni artístico, ajenos a denominaciones como bello, hermoso o exquisito.
• Pintura de acción: surge en estados unidos cuando un grupo de pintores, pertenecientes a la corriente del expresionismo abstracto, quieren darle a su pintura una impronta de carácter gestual, que en el aspecto técnico consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo, de manera enérgica y espontánea sin esquema previo, de tal manera que la superficie del lienzo se convierta en un "espacio de acción“.
• Arte genético: arte enteramente realizado en computadora, basado en algoritmos genéticos.
• Happening: manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

• Arte digital: disciplina de las artes plásticas que comprende obras en las que se usan elementos digitales, tanto en el proceso de producción como en su exhibición. Los soportes de este tipo de estilo son digitales, por ejemplo, el ordenador, que efectúa cálculos para crear por ejemplo una imagen o un sonido combinando los parámetros programados con un componente de aleatoriedad.
• Arte conceptual: aquel en el que prevalece la idea sobre la realización artística, es decir, la característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual se puede definir como una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. 
• Body art: vertiente del arte contemporáneo que toma el cuerpo como medio de expresión y/o materia para la realización de los trabajos, asociándose frecuentemente a happening y performance. Se trata de tomar el cuerpo del artista como soporte para realizar intervenciones, de manera general, asociadas a la violencia, al dolor y al esfuerzo físico. 

• Otros:
• Arte de acción:
• Flashmob: acción organizada en la que un gran grupo de personas se reúne de repente en un lugar público, realiza algo inusual y luego se dispersa rápidamente.
• Lipdub: vídeo musical realizado por un grupo de personas que sincronizan sus labios, gestos y movimientos con una canción popular o cualquier otra fuente musical.
• Estatuísmo: arte de representar con el cuerpo, esculturas reales, clásicas y existentes en el mundo, de diferentes artistas, lo mas idéntico posible, con la inmovilidad total, por el término de varias horas, es decir, sin ningún tipo de movimiento, ni siquiera para saludar o agradecer, y con la mayor semejanza a la obra original que lo inspira.
• Performance: Espectáculo de carácter vanguardista en el que se combinan elementos de artes y campos diversos, como la música, la danza, el teatro y las artes plásticas.
• Nuevos medios:
• Fotografía: técnica de obtención de imágenes por la acción química de la luz sobre una superficie con unas características determinadas.
• Vídeo: Sistema que permite la grabación de imágenes y sonidos en una cinta magnética que después puede reproducirse y verse en la pantalla de un televisor.
• Stop motion: técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

Nuestra propuesta

El Sistema Educativo actual le da mucha importancia a las asignaturas troncales, como son Lengua y Matemáticas. Deja en segundo plano, como si apenas existieran a Educación Artística, Música o Educación Física, siendo estas las que más fomentan la creatividad y las que más motivan a los alumnos. 

Por tanto, nuestra crítica va dirigida a que todas las asignaturas han de tener la misma importancia, ya que cada una de ellas desarrolla unas cualidades diferentes en los estudiantes.

Si el problema está en que no hay demasiado tiempo para enseñar todas las asignaturas por igual, existen otras alternativas, como trabajarlas interdisciplinarmente mediante los proyectos de trabajo.

Para ello, nos caracterizamos cada una de nosotras de una asignatura y simulamos una entrega de premios. En el primer puesto, encontramos a las asignaturas de Lengua y Matemáticas, las cuales son las materias a las que se le da mayor importancia. En segundo lugar, encontramos a las Ciencias y a los Idiomas, aunque optarían al primer puesto. En el tercer y último puesto, estarían las asignaturas de Educación Artística, Música y Eduación Física, las cuales apenas no tienen relevancia en el Sistema Educativo actual. A su lado, encontramos a una figura política con unas tijeras, simulando los recortes en la educación. Las asignaturas de Religión y Ciudadanía, se encontrarían entre el segundo y el tercer puesto, debido a que no se sabe realmente qué importancia o qué lugar ocupan en la educación.

Con ello, hicimos las prácticas artísticas de estatuísmo y flashmob en tres puntos distintos del centro de Sevilla. El primero se realizó en la Plaza del Triunfo. Posteriormente, nos fuimos al Ayuntamiento. Por último, estuvimos en las Setas de la Encarnación.

Este es el resultado:

¿Qué es la creatividad?

La palabra creatividad deriva del latín creare, que significa engendrar, producir, crear, tener hijos. A su vez, creare viene de una raíz indoeuropea, ker. Está emparentada con la palabra crescere: crecer.

Creatividad resulta ser un término bastante complejo para ser definido. Por eso, existen numerosas interpretaciones para esta palabra. Para ello, he seleccionado las más aceptadas o más destacadas según el prestigio del autor en el ámbito de la creatividad y la innovación, y serán expuestas en orden cronológico.

La definición más antigua de término data de 1930, y lo hace por parte del psicólogo Charles Spearman, quien considera que la creatividad es "un proceso de ver o crear relaciones en que los procesos conscientes y subconscientes operan conjuntamente".

Posteriormente, encontramos las definiciones de Joy Paul Guilford, de 1952 y 1971, respectivamente: "La creatividad, en sentido limitado, se refiere a las aptitudes que son características de los individuos creadores, como la fluidez, la flexibilidad, la originalidad y el pensamiento divergente. No es el don de unos pocos escogidos, sino que es, una propiedad compartida por toda la humanidad en mayor o menor grado" y "la creatividad es la capacidad o aptitud para generar alternativas a partir de una información dada, poniendo el énfasis en la variedad, cantidad y relevancia de los resultados". El psicólogo fue el pionero de las teorías modernas sobre creatividad puesto que abrió una nueva comprensión al considerarla como una característica independiente de la inteligencia.

Un año después, en 1953, el especialista en creatividad y publicidad Alex Faickney Osborn concibe la creatividad como "la aptitud para representar, prever y producir ideas. Conversión de elementos conocidos en algo nuevo, gracias a una imaginación poderosa".

En 1960, encontramos la definición del psicólogo Donald M. MacKinnon: "La creatividad responde a la capacidad de actualización de las potencialidades creadoras del individuo a través de patrones únicos y originales". Para él, la creatividad es un proceso, el cual debe ser breve, cumpliendo tres condiciones: implicar una idea poco frecuente, que esta idea se adapte a la realidad, y que esta idea sea evaluada y desarrollada hasta su aplicación final.

El psicólogo E. Paul Torrance, en 1965, nos da una definición muy completa que nombra los elementos más importantes del proceso creativo: "La creatividad es un proceso que vuelve a alguien sensible a los problemas, deficiencias, grietas o lagunas en los conocimientos y lo lleva a identificar dificultades, buscar soluciones, hacer especulaciones o formular hipótesis, aprobar y comprobar estas hipótesis, a modificarlas si es necesario además de comunicar los resultados".

Howard Gardner, uno de los psicólogos más reconocidos actualmente en materia de creatividad y creado del modelo de “inteligencias múltiples”, también hace su aportación en 1993. Para él, la creatividad es la “caracterización reservada a los productos que son inicialmente considerados como novedosos en una especialidad, pero que, en último término, son reconocidos como válidos dentro de la comunidad pertinente”. En 1999, afirma que “la creatividad no es una especie de fluido que pueda manar en cualquier dirección. La vida de la mente se divide en diferentes regiones, que yo denomino ‘inteligencias’, como la matemática, el lenguaje o la música. Y una determinada persona puede ser muy original e inventiva, incluso iconoclásticamente imaginativa, en una de esas áreas sin ser particularmente creativa en ninguna de las demás”, definiendo en 1998 a la persona creativa como “persona que resuelve problemas con regularidad, elabora productos o define cuestiones nuevas en un campo, de un modo que al principio es considerado nuevo, pero que al final llega a ser aceptado en un contexto cultural complejo”.

Robert J. Sternberg también es uno de los psicólogos más reconocidos actualmente en creatividad e inteligencia y sus definiciones se decantan claramente por la novedad y el valor. Para él, la creatividad (definición de 1997) es “la habilidad de generar trabajo que es simultáneamente novel (original, inesperado) y apropiado (esto es, útil, adaptado a las tareas)”.

“La creatividad es cualquier acto, idea o producto que cambia un campo ya existente, o que transforma un campo ya existente en uno nuevo”. Esta es una definición que nos da en 1996 Mihály Csíkszentmihályi. Es uno de los máximos exponentes de la Psicología Positiva. Sus definiciones destacan la novedad y el valor y describen también el proceso. Un aspecto muy importante es que valora tanto el resultado como el hecho de encontrar un “objeto creativo”. Este autor señala varios grados de creatividad: Creatividad con ‘C’ mayúscula y creatividad con ‘c’ minúscula.

Ricardo López Pérez, autor del “Diccionario de la Creatividad” (2001), donde recoge numerosos conceptos y expresiones habituales en los estudios sobre creatividad. López Pérez nos dice: “Existen numerosas maneras de definir creatividad, de acuerdo con distintos énfasis y extensiones. Una definición relativamente breve e integradora es la siguiente: Capacidad para formar combinaciones, para relacionar o reestructurar elementos conocidos, con el fin de alcanzar resultados, ideas o productos, a la vez originales y relevantes. Esta capacidad puede atribuirse a las personas, grupos, organizaciones, y también a toda una cultura. En medida importante la creatividad equivale a una cierta manera de utilizar lo que está disponible, a hacer un uso infinito de recursos necesariamente finitos”.

Por último, señalamos la definición que nos da la doctora en creatividad y pedagoga Jessica Cabrera Cuevas en 2014: “La creatividad finalmente podría expresarse como un comunicare o común unión entre nuestra conciencia elevada de ser creador y el mundo que queremos crear o como la manera más bella y perfecta de conectarnos a nosotros mismos, a los demás, a la naturaleza y a Dios o aquello que nos trasciende”.

Para mí, la creatividad es cualquier idea ingeniosa, poco usual y original, la cual no haya tenido nadie antes. Hablo de cualquier área: arte, moda...

Dicho todo esto... Vamos al aspecto realmente importante. Está claro que en la mayoría de las escuelas se sigue trabajando bajo un mismo patrón con todos los alumnos, sin dejar que ellos formen parte de su aprendizaje.

Por tanto... ¿Las escuelas matan la creatividad? Aquí tenemos la opinión de Ken Robinson, educador y escritor, doctor por la Universidad de Londres y experto en temas relacionados con la creatividad, la calidad de enseñanza, la innovación y los recursos humanos.

Para él, la creatividad es el “proceso de tener ideas originales que tienen valor”.

Ken Robinson nos cuenta que todos los sistemas educativos del mundo tienen la misma jerarquía de materias, donde en la cúspide de la pirámide se encuentran matemáticas y lengua, en medio se encuentran las humanidades y, en lo más bajo de ella, las artes. “No hay ningún sistema educativo que enseñe danza todos los días de la misma forma en que enseñamos matemáticas” ¿Por qué pasa esto? Un alumno que sea brillante en las artes, no tendrá el mismo rendimiento académico que uno que sea un excelente matemático. No tiene sentido que le quitemos importancia a asignaturas como música o educación artística. La música tiene numerosas ventajas en la educación: les sirve a los alumnos para expresarse libremente, mejora la habilidad en el estudio de otras materias (como la lectura o las matemáticas), mejora su coordinación, actúa sobre todas las áreas del desarrollo del niño, por lo que incita a la mejora y a un completo desarrollo intelectual del mismo, y requiere mucha constancia y persistencia, valores esenciales en la educación de los más pequeños. A su vez, la educación plástica y visual también tiene su lista de virtudes: estimula el desarrollo de las habilidades cognitivas de los niños, incrementa la percepción del entorno, promueve la seguridad y la autoestima de los niños, y lo más importante en mi opinión, el arte sirve como un vehículo de expresión de emociones, sentimientos e ideas.

“Muchas personas brillantes y creativas piensan que no lo son porque aquello en lo que sobresalían en la escuela no era valorado o era estigmatizado”. Muchos adultos siguen pensando que los estudios relacionados con las artes tendrán pocas salidas profesionales, por lo que condicionan a los propios pequeños a la hora de que estos elijan su futuro. 

Es hora de empezar a cambiar la educación, dando lugar a que todos los alumnos encuentren su lugar, pudiéndose dedicar a lo que realmente consideren como vocación. Creemos alumnos creativos, libres, autónomos. Serán mucho mejor que aquellos que sean educados como marionetas. ¿No creen?