Educación y Cultura Visual

A continuación, un mapa conceptual sobre el enfoque de la Educación y Cultura Visual:

https://www.mindomo.com/es/mindmap/db6fc0f613a842469bfd83b26b3e165d


Fuente: Manuel H. Belver (2005), Arte infantil y cultura visual, Madrid, Eneida.

Todo es mentira

La multiculturalidad es la existencia de varias culturas conviviendo en un mismo espacio físico, geográfico y cultural. La sociedad actual está casi completamente sumida en ella, por lo que se debe enseñar a respetar las distintas opiniones y culturas, por ello el currículo de primaria ha de ser heterogéneo. 

La multiculturalidad abarca todas las diferencias que se enmarcan dentro de la cultura, ya sea, religiosa, lingüística, racial, étnica o de género.

Hoy en día, ya tenemos más libertad de pensamiento que antes. Por tanto, hay muchos puntos de vista válidos, ya que la verdad no es absoluta. Ahora, cada persona tiene más libertad para elegir su forma de actuar dentro de una sociedad, sin limitaciones externas o internas.

Para ello, el relativismo cultural es lo más apropiado, ya que cada uno tiene su punto de vista, que probablemente sea diferente al del compañero. Cada uno piensa de diferente forma de acuerdo a sus necesidades, intereses y gustos, atendiendo a los parámetros de su propia cultura. Aunque si dos personas tienen ideas o puntos de vista distintos, se debe llegar a un consenso. El consenso es fruto de un acuerdo, lo que no quiere decir que cada uno posea la verdad, sino llegar a acuerdos para convivir.

Actualmente, tenemos más posibilidades de acceder a la información que en otra época. Por ello, somos más susceptibles a ser engañados por ella. Los medios de comunicación actuales utilizan sus estrategias para darnos las noticias que a ellos más les interesa. Así, consiguen que nosotros nos interesemos por las mismas. Por ello, nos comunicarán las novedades con las que obtener más ganancias.

Las artes viven sumidas en una época de cambios (y la realidad en general), ¿cómo está respondiendo la educación ante esta circunstancia?

En la educación actual general observamos que el currículo es lo que posee la “verdad absoluta”, por lo que las clases siempre se llevan a cabo de la misma manera. Las clases actuales tienden a ser muy monótonas y todas bajo un mismo patrón. Un grave problema es la formación del profesorado, ya que no se forman para ello. Nos enseñan que hay que ser creativos para dar lugar una enseñanza motivadora e innovadora mediante metodologías tradicionales.

Se planteó la Educación Artística como base de la Educación Primaria: la Educación Artística debía ser la base de la educación humana. Aunque no fuese base, pero debía considerarse un pilar importante, sin entenderla como aprender una serie de instrumentos y procedimientos, ya que posee un gran potencial para otros campos.

La postmodernidad.

La postmodernidad es una corriente filosófica que se describe como una superación de la modernidad, lo que viene después de lo moderno. 

Es un término ambiguo, porque ¿cuándo utilizamos lo moderno? Es una palabra que lleva usándose varias décadas, desde el 1934, aunque se comenzó a debatir sobre él a finales de los años 70. 

Hay muchos autores que hablan de ello. No obstante, destacan tres:

• Lyotard y su libro "condición postmoderna": "Simplificando al máximo, se tiene por “posmoderna" la incredulidad con respecto a los metarrelatos”. Un metarrelato son una gran ideología de la que participan muchas personas. Por ejemplo, en el siglo XX, un metarrelato sería el nacismo, te dice de donde viene y a donde va. Puede ser también las religiones, el comunismo... Estos metarrelatos ya no los creemos tanto, ya que la mentalidad a medida que avanzan las generaciones va progresando. La postmodernidad tiene que ver con la incredulidad de aquello que se encontraba establecido.

• Otro autor que habla de ello es Wellmer: "El momento postmoderno es una especie de explosión de episteme moderna en el que la razón y el sujeto-como detentador de la “unidad” y la “totalidad”- vuelan en pedazos".

• Por último, Viattimo: "Yo sostengo que el termino postmoderno sigue teniendo un sentido y que este sentido, está ligado al hecho de que la sociedad en que vivimos en una sociedad de comunicación generalizada, la sociedad de los medios de comunicación (mass media). Todo tiene que ver con la emergencia de las tecnologías, haciéndonos entender que el mundo no únicamente era blanco o negro."

Ideas para un currículo postmoderno.

1. El currículum se desplaza desde las tendencias universalizantes hacia tendencias pluralizadoras (caída de metarrelatos). El conocimiento es más apto para ser socialmente construido por profesores y estudiantes. Hay que llegar a un consenso tendiendo a la pluralidad, por lo tanto, nos lleva a entender que el conocimiento no se encuentra construido por una élite que nos dicen qué debemos hacer, es algo tan básico como entender que el conocimiento se construye entre una sociedad completa.
2. Hay una mayor receptividad respecto al arte no occidental, al arte de las minorías y al arte de la cultura popular (democratización del currículo y alejarlo de concepciones elitistas). Los focos tradicionales de transmisión artística (museos o galerías) son complementados por la cultura outsider.
3. El collage, las NTIC o el montaje cobran mayor interés en la producción artística. La educación artística lineal y fundacional ha sido cuestionada: el estudio dominante de actividades y técnicas artísticas ha sido suplido por la estética, historia de las artes, la crítica y los estudios multiculturales. La educación artística se tiene como un entretenimiento para los niños.
4. Los profesores son reconocidos como intérpretes, ya no son reconocidos como los autores de la información. Antes, los profesores estaban considerados como los actores de una película y los alumnos sus espectadores. El cambio de mentalidad viene cuando los alumnos pasan a ser actores también y el profesor el director, entendiéndose el director como una pieza más.
5. Se fomenta la actitud deconstructiva (crítica, revisionista, procuradora de sospecha) para mostrar que no hay puntos de vista privilegiados. Fomento de la cultura de sospecha.

Ahora viene la pregunta... ¿Todo lo anterior es cierto? Realmente no. Todo es mentira.

Mantras socioculturales para la educación (mantras posmodernos).

La palabra mantra viene del budismo, es la repetición de una frase continuamente para entrar en una especie de trance o concentración. Se refiere a aquellas frases que se repiten mucho y que no las ponemos en duda por eso.

1. Vivimos en una sociedad más transparente. No. Todos los canales de televisión tienen una mentalidad, una ideología, unos intereses distintos. Nos enseñan lo que realmente les interesa a ellos y no a nosotros, ocultando la verdadera realidad. En la noticia de “La manada”, pixelaron la cara de los autores en todos los medios. En contrapoder, en las redes sociales, se ha hecho viral una foto mostrando sus rostros.
2. Todo es relativo. Estamos cayendo en una paradoja, ya que cuando decimos que todo es relativo porque estamos cayendo en la verdad absoluta.
3. No existen los metarrelatos. Todavía existen aquellas grandes ideologías.

Historia de la Educación Artística

• Antigüedad.

Las primeras reflexiones sobre el interés y la orientación que debe adoptar la educación artística en la escuela, las encontramos con Platón y Aristóteles.

“Son cuatro las disciplinas que generalmente se suelen enseñar en la educación: la de leer y escribir, la gimnástica, la música y, en cuarto lugar, algunas veces el dibujo. El arte de leer y escribir y el dibujo por ser útiles para la vida y por sus múltiples aplicaciones; …de igual modo deben aprender el dibujo no solo para no cometer errores en sus compras particulares y para no ser engañados en la compra y venta de objetos y muebles, sino más bien porque el dibujo da capacidad para observar la belleza de los cuerpos.” (Aristóteles, 1986, pp. 288-290).

• Edad media.

Durante la Edad media, especialidades como la pintura, la orfebrería o la escultura (entre otras) no tuvieron una consideración social como creaciones artísticas propiamente dichas, sino que eran calificadas como oficios manuales. Para aprendizaje de estas profesiones se llevaba a cabo en los mismos talleres, no en las escuelas. El aprendizaje estaba centrado fundamentalmente en los materiales y técnicas. No se esperaba que la producción fuera muy original, sino que estuvieran perfectamente elaborados y con los mejores materiales. Los pocos manuales o tratados de la formación de artistas que nos quedan de esta época, describen los procesos de construcción y elaboración de objetos artísticos y la manera que tenían de aprender estos conocimientos.

• Renacimiento y romanticismo.

Antes de la creación de los sistemas escolares tal y como los conocemos actualmente, se fundaron las academias de dibujo. La primera se estableció en 1563 en Florencia, por Giorgio Vasari. A ella acudían alumnos de entorno a los 12 años que se querían dedicar a la pintura, arquitectura y/o escultura.

La organización educativa se establecía por fases. En la primera fase se trabajaban las líneas, rectas, curvas y la creación de figuras geométricas. Una vez superada esta fase se pasaba a la siguiente, en la que se llevaban a cabo creaciones donde se podían observar partes de la cara como los ojos, boca, nariz… y además se realizaban dibujos de perfiles y tres cuartos. En el tercer bloque o fase, se realizaban esculturas y relieves enfocadas principalmente a la cultura romana. Y, por último, en la cuarta fase se llevaban a cabo dibujos naturales, abarcando desde pinturas sobre desnudos hasta vestidas. Junto a estos ejercicios de dibujos, se llevaban estudios teóricos sobre la proporción, anatomía y perspectiva. Esto lo podemos ver actualmente en nuestro sistema escolar, más concretamente en la asignatura de Historia del arte.

• Siglo XIX.

Se incluyó el dibujo entre las materias obligatorias del currículo de primaria y secundaria. Por tanto, surgió la necesidad de disponer unas orientaciones y materiales curriculares, así como formar al profesorado en esta materia.

El dibujo como materia escolar planteó un nuevo problema en la educación. Hasta entonces se habían desarrollado notablemente los sistemas de enseñanza del dibujo para formar a los artistas y artesanos, pero ahora se trataba de enseñar el dibujo al conjunto de la población.

La sociedad industrial de la época, hacía necesario que la población supiera leer y escribir, así como el conocimiento del dibujo para la mayoría de los trabajos cualificados, porque este era el vehículo del desarrollo tecnológico y de la fabricación industrial.

El dibujo se dividía en dos vertientes: la artística, representaciones centradas en la belleza; y la técnica, centrada en la descripción exacta y completa de la forma.

En la primera mitad del siglo XIX destaca la obra de Pestalozzi, el cual publicó en 1803 el libro titulado ABC de la intuición o intuición de las proporciones. Este libro está considerado como el primer manual de Educación Artística para la infancia. La obra se basa en tres láminas sobre las que trabajarán conjuntamente la palabra, el número y el dibujo.

El énfasis en la exactitud con la que debían realizarse estos ejercicios procedía de la convicción de que con ellos se estaban construyendo las bases iniciales y los fundamentos que sustentarían todo el aprendizaje del dibujo y el refinamiento de la percepción visual, en la que se apoyaba –según sostenía la tradición empirista- todo el edificio del pensamiento. La tarea fundamental de la escuela era proporcionar la máxima claridad en esos pasos iniciales, de los que dependía cualquier aprendizaje posterior.

Friedrich Froebel contribuyó a la educación artística creando un original material didáctico conocido como “juegos y ocupaciones” entre 1835 y 1850 para su proyecto curricular de los jardines de infancia, los cuales estaban organizados en torno al principio del juego. El primer regalo consistía en seis pelotas de lana: tres de los colores primarios y tres de los secundarios. Se introducían las ideas de similitud y contraste, ya que las pelotas eran igual en tamaño, textura y forma, pero las diferenciaba el color. El segundo regalo consistía en tres objetos de madera: una esfera, un cubo y un cilindro. Con ellas se pueden comparar las diferencias de dureza, tamaño, y explotar las cualidades de la inestable esfera que rueda, el estable cubo que se desliza y su combinación en el cilindro. Los regalos del tercero al sexto consisten en grupos de bloques cúbicos de tamaño cada vez menos, para que con ellos se construyeran diferentes construcciones. El séptimo regalo introduce la noción de superficie y consiste en un conjunto de tablillas, a modo de tangram. Al combinarlas originan una amplia variedad de diseños. El octavo regalo son palillos de madera, de igual longitud, con los que poder “dibujar” delimitando figuras geométricas, y que clavados en pequeños trocitos de alguna masa (por ejemplo, plastilina) pueden configurar formas tridimensionales.  El noveno regalo son palillos de madera, pero ahora con formas curvas. Por último, el décimo regalo es dibujar en una pizarra o en papel cuadriculado para facilitar la medida y comparación de tamaños.

Las ocupaciones implicaban una transformación del material original. Por ejemplo, agujerear el papel siguiendo un dibujo, recortar y doblar un papel…

La segunda mitad del siglo XIX conoció un desarrollo espectacular de métodos y manuales de dibujo, todos ellos basados en la copia de láminas. Comenzaban por el trazado de figuras geométricas y, progresivamente, iban proponiendo dibujos cada vez más complicados, representando figuras humanas, animales, plantas y árboles… Se usaron como manual para las escuelas de magisterio o formación del profesorado y en las escuelas primarias y secundarias.

• Siglo XX.

- Primera mitad: descubrimiento del arte infantil.

La manera que tienen los niños de expresarse dibujando mediante garabatos, desproporciones o esquemas se empezó a considerar como la manifestación genuina y propia que tiene la infancia de comprender el mundo.

Algunos grupos de jóvenes artistas comenzaron a pensar que la cantera de ideales y modelos que habían venido de Europa estaba ya agotada y que era necesario retornar a las raíces del arte. Era necesario volver a los orígenes y comenzar a dibujar nuevos paraísos visuales. Las imágenes y objetos de otras culturas comenzaron a cobrar gran importancia artística.

Se descubre que existe una producción pictórica pura, primigenia, no contaminada con las tradiciones culturales. Artistas expresionistas comienzan a interesarse y a estudiar el arte infantil. Franz Cizec confirmó que encontraba en los dibujos infantiles un verdadero estilo artístico que merecía ser tenido en cuenta. Apoyado por otro grupo de artistas, abrió una escuela de arte infantil en 1897.

Paulatinamente fue abriéndose paso la idea de que la actividad escolar no debía entorpecer sino por el contrario motivar y estimular los modos propios y característicos que tienen los niños y niñas de expresarse con el dibujo y la pintura libre.

- Segunda mitad: desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina.

La autoexpresión creativa. 

Lo decisivo de esta disciplina estaba en la persona que se estaba formando. Los alumnos deben ser considerados como seres humanos que tienen que llegar a desarrollarse plenamente como personas. La educación artística debía proponerse que a través del arte se aprendiera a ser una persona.

Lo decisivo de las actividades artísticas está en los procesos de desarrollo personal que las actividades artísticas propician.

El dibujo libre y espontáneo se convirtió en el ejercicio y la actividad fundamental en educación artística. Se trataba de que el niño o la niña dibujaran como realmente eran. Lo ideal era conseguir que cada uno llegara a ser capaz de dibujar conforme a su edad, a su desarrollo y personalidad. Para ello, se creaba en el aula un clima estimulante. Había que evitar modelos, copias, ejercicios homogéneos e iguales para todos. Cada persona debía esforzarse por sí misma para descubrir sus límites e intereses. Por ello, el desarrollo de la capacidad creativa se convirtió en el principal argumento de la educación artística.

La consolidación institucional: INSEA.

En la década de 1950 tuvieron lugar dos importantes acontecimientos institucionales de enorme transcendencia para la Educación Artística. En dicho año, la UNESCO organizó un seminario sobre educación artística que se reunió en Bristol (Reino Unido).  En este seminario se tomaron varias decisiones una de ellas fue fundar la INSEA (International Society for Education through Art), que tuvo lugar en París en 1954 y que es la organización internacional más importante sobre Educación Artística. Por otro lado, en 1955 se celebró la Conferencia Internacional de Instrucción Pública, en la que se redactó una carta magna con una serie de recomendaciones sobre educación artística. La carta magna enunciaba tres argumentos fundamentales:

1. Los conocimientos y las técnicas adquiridas en la educación artística pueden tener mucho significado tanto en la vida como estudiante como en la vida profesional de las personas.

2. A través de las artes las personas desarrollan su personalidad.

3. La evolución de las TIC ha favorecido el desarrollo de la educación artística, así como una introducción más importante de esta en la sociedad.

Además de estos tres argumentos también se establecieron dos recomendaciones fundamentales:

1. La educación plástica debía ser de carácter obligatorio dentro del currículo de Educación Primaria.

2. Un buen método de enseñanza sería que los alumnos aprendieran a expresar sus sentimientos, emociones, curiosidad, inquietudes, etc., a través de las diferentes técnicas artísticas.

El lenguaje visual como modo de conocimiento.

Dos argumentos acapararon el protagonismo: Rudolf Arnhein afirmó que "ver es pensar", y, por tanto, las obras visuales un modo de conocimiento. Por otro lado, las artes visuales constituyen un lenguaje.

Arnhein, investigó el dominio de las artes visuales, la pintura, la escultura y el cine, para demostrar que la visión es un proceso cognitivo activo y complejo. Los estímulos percibimos por nuestros ojos tienen que ser seleccionados, organizados e interpretados para ser reconocidos y podamos utilizarnos para nuestro interés. El campo visual está perfectamente estructura por nuestra mirada, que lo organiza en sus direcciones básicas: arriba y abajo, izquierda y derecha, centrado y descentrado, tensión y equilibrio, fondo y figura, reposos y movimiento. 

Dibujar, pintar, confeccionar o crear cualquier tipo de expresión artística constituye una forma de pensamiento. Por eso, es tan importante la Educación Artística en la escuela. Y de aquí, se empezaron a considerar las artes visuales como un lenguaje, ya que mediante cualquier medio donde se utilizara algo relacionado con ellas, llegaba al público con gran facilidad y rapidez, haciendo que este se dejara persuadir por lo que se decía.

Se encontró un paralelismo entre el lenguaje verbal y el lenguaje visual. Como en todo lenguaje, había que buscar los elementos básicos que lo constituían, así como las reglas o normas que regulaban las relaciones entre esos elementos.

Los contenidos básicos del currículo de artes visuales, en todos los niveles de enseñanza, correspondían a los ejercicios, progresivamente más complejos y arriesgados, sobre cada uno de estos elementos básicos del lenguaje plástico.

Elliot Eisner: la revisión disciplinar de la autoexpresión creativa.

En los últimos años, se han investigado la actividad artística como un proceso creativo espontáneo y natural para entenderla más bien como una construcción de conocimientos muy elaborada diferentes en cada cultura.

Destaca el profesor Elliot W. Eisner por ser una de las figuras centrales en la conceptualización actual de la Educación Artística. Promovió muchos proyectos educativos en las enseñanzas artísticas por abordar diferentes aspectos curriculares. Todos los proyectos fracasaron, pero en 1980 se creó la DBAE, a modo de repercusión de uno de ellos.

La DBAE (Discipline Based Art Education), es un proyecto educativo y curricular para la educación artística. Se caracterizaba por su sólida fundamentación interdisciplinar, coordinando las ideas más actuales sobre educación, psicología del desarrollo, arte y estética y movimientos artísticos vanguardistas. Colaboraban importantes especialistas en el tema, como H. S. Broudy, L. Champan, M. Day, Gardner y Eisner. El objetivo de la DBAE es desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte. Las obras de arte, según la DBAE, deben ocupar un lugar central en el currículo y en la integración de los contenidos específicos de cada una de las disciplinas.

El currículo debe organizarse de manera que vayan acrecentándose la cantidad y la complejidad de los aprendizajes de modo que aumente progresivamente el nivel de comprensión y las destrezas creativas del alumnado. Para ello, es necesario que la asignatura de educación artística se dé en las clases de una manera regular. 

La educación artística debe formar personas capaces de comprender y debatir razonadamente todas las informaciones que ven en su día a día.

A partir de aquí, la creatividad ya era entendida como la capacidad para dar con respuestas innovadoras a partir de un profundo conocimiento y dominio de las convenciones artísticas. 

En los últimos años, las ideas y resultados de la DBAE, han sido revisados y también han disminuido la intensidad de las acciones institucionales que la sostenían. Se cuestionan dos puntos. El primero, el énfasis en las obras de arte como contenido nuclear del currículo. El segundo, la rígida dependencia de los ámbitos profesionales más sólidamente establecidos en el mundo académico.


Fuente: Ricardo Marín Viadel (2013), Didáctica de la educación artística para Primaria, Madrid, Pearson. 

Qué es y qué no es Educación Artística

¿Qué es Educación Artística?

La Educación Artística es una asignatura obligatoria en el currículo de educación Primaria y Secundaria.

La Educación Artística incluye variadas estrategias y sistemas de creación de imágenes y objetos: fotografía, vídeo, computadora... Comporta el uso de distintos materiales (madera, tejidos, piedras...) incorpora numerosos conceptos, teorías y argumentos para comprender  y estudiar con mayor profundidad los sentidos y significados de una gran variedad de fenómenos y acontecimientos visuales.

Tradicionalmente, esta materia se llamó dibujo. A partir de mediados del siglo XX, comenzaron a utilizarse un nuevo tipo de denominaciones, como artes plásticas, expresión plástica, educación visual, que siguen cambiando con cierta frecuencia con motivo de las habituales reformas educativas. 

La asignatura de Educación Artística no incluye todas las manifestaciones artísticas, ya que se refiere principalmente a las artes visuales. No incluye la música, danza, poesía o literatura, entre otras. Por tanto, no debería llamarse así, sino simplemente artes visuales, ya que en la escuela damos por descontado que siempre se trata de educación. Lo decisivo es el campo de conocimiento, de aprendizajes y de experiencias en el que nos concentramos en cada materia.

Se pueden distinguir cinco zonas o tipos de acontecimientos visuales de máximo interés para la Educación Artística:

1. La espectacularidad y seducción visual de los fenómenos naturales.
2. Las cualidades sensibles, la presencia visual y las posibilidades constructivas de los materiales naturales y artificiales.
3. Las cualidades formales, semánticas y pragmáticas de los objetos, artefactos y construcciones que constituyen la cultura material antigua y contemporánea.
4. Un tipo de objetos de especial relevancia para la Educación Artística son las imágenes. Ya sean bidimensionales o tridimensionales. Las imágenes de cualquier tipo y condición nos remiten a otros ámbitos y aluden a otras realidades, a través de estrategias, convenciones y claves de representación, muy variadas y diversas, que tenemos que aprender a reconocer e interpretar.
5. Las obras de arte, que son los objetos e imágenes, realizados con una intención abiertamente artística y estética, o que con reconocimos como tal.

El tipo de conocimiento propio de la Educación Artística.

Las actividades artísticas se distinguen no tanto por el tipo de objetos o artefactos o materiales que estamos manejando, sino por el modo como pensamos y por el sentido o las intenciones que dirigen nuestra actividad.

Los tipos de conocimiento característicos del aprendizaje artístico vienen definidos por tres rasgos:

1. Discurren en las zonas del pensamiento visual y creativo.
2. La intencionalidad del conocimiento en Educación Artística es abiertamente artística y estética.
3. La función del conocimiento artístico es imaginativa y emancipatoria.

Campos de conocimiento y actividades profesionales vinculados con los contenidos de la Educación Artística.

Cada asignatura del currículo corresponde aproximadamente a un campo del conocimiento o actividad socialmente establecido. La Educación Artística organiza sus aprendizajes y contenidos a partir de tres dominios fundamentales:

1. Las artes visuales, que es una denominación reciente, principalmente utilizada en los países de habla inglesa, para reunir una amplia variedad de actividades artísticas y prácticas profesionales. Los límites o fronteras de las artes visuales son muy amplios y poco estrictos porque con esta denominación se ha querido superar clasificaciones anteriores que jerarquizaban de un modo muy rígido la categoría artística y la importancia cultural y social de los objetos e imágenes. Lo que tienen en común las artes visuales es que en ellas predominan los aspectos relativos a la mirada y a la visión. Actualmente, las nuevas especialidades visuales se producen en interacción con sonidos, lenguaje verbal, movimientos corporales, produciéndose una fusión e interactividad muy marcadas.
2. Los contenidos de la Educación Artística derivan de las ciencias o disciplinas que estudian, analizan y explican las imágenes, los objetos y las obras de arte. La más desarrollada es la historia del arte, que clasifica y explica cuáles han sido las producciones artísticas desde la prehistoria hasta nuestros días.
3. Algunos conceptos básicos en Educación Artística proceden de las ciencias y tecnologías implicadas en los fenómenos de la luz y el color y en la construcción, reproducción, transmisión y conservación de las imágenes.

Las conductas y capacidades básicas.

Las conductas y capacidades básicas que ponen en juego las actividades y tareas propias de la Educación Artística son las relacionadas con la percepción visual, táctil y cinestésica, la creatividad, la inteligencia espacial, el pensamiento visual, la imaginación y la memoria visual, la capacidad de valoración y evaluación cualitativa de imágenes y objetos, y la sensibilidad estética.

Los lenguajes y sistemas notacionales.

Los lenguajes y sistemas notacionales, los materiales y las acciones y actividades distintivas del aprendizaje artístico son los propios de las Artes Visuales.

Se trabaja fundamentalmente con los lenguajes visuales, con el dibujo y los sistemas de representación objetiva del espacio, tallando, construyendo y modelando en cualquier material, aprovechando las posibilidades descriptivas y narrativas de los lenguajes fotográficos y cinematográficos.

Las acciones y actividades básicas son la creación de imágenes, de objetos y construcciones, así como el conocimiento y comprensión de las obras que hacen o han hecho los demás seres humanos.

¿Qué no es Educación Artística?

La Educación Artística:

• No es una materia diferente a las otras del currículo escolar. No es una asignatura "simpática y agradable" pero menos académica que las demás. Hay muchas cosas que aprender en ella. Lo que sucede es que la mayoría de los aprendizajes más valiosos y decisivos en Educación Artística no son de tipo memorístico, ni hay una única respuesta correcta para la mayoría de las preguntas y problemas.
• No solo tiene interés para las personas que manifiestan una especial capacidad o predisposición, sino que es importante para el conjunto del alumnado.
• No es una materia "manual" frente a las otras que tienen un carácter "teórico".
• No puede quedar reducida a ejercicios de dibujo libre (en el caso de los alumnos más pequeños) y de dibujo geométrico o técnico (para los alumnos más mayores).
• No consiste en hacer imitaciones de cosas "bonitas" que parezcan obras artísticas o decorativas.
• No consiste en comenzar por el principio, por los ejercicios iniciales de geometría o color, el largo camino del arte sin llegar a ningún resultado final, sino que debe abordar la resolución de todo tipo de imágenes con el grado de complejidad adecuado a cada curso o nivel.
• No debe reproducir sino por el contrario desactivar los prejuicios habituales sobre el arte en nuestra sociedad.
• En ella, es muy importante la creatividad, pero no única y exclusivamente. La capacidad creativa no solo tiene que ver con el arte, también con la ciencia, con la tecnología y con otras muchas actividades.
• No puede quedar encerada en los límites de la escuela.
• Los enfoques, metodologías, aprendizajes y contenidos no constituyen un cuerpo de conocimientos cerrados y concluidos, sino que se trata de una materia abierta en la que debemos estar atentos a todo lo que sucede ante los ojos de nuestro alumnado.

Fuente:  Ricardo Marín Viadel (2013), Didáctica de la educación artística para Primaria, Madrid, Pearson.

"La Escuela Expandida"

Este documental se trata de un proyecto pensado y realizado por la productora Zemos98 e Intermedia producciones. El argumento fue ideado por Rubén Díaz, el guion y la dirección fue realizado por Julio Sánchez Veiga. En cuanto a la fotografía y a la música se hicieron cargo Alejandro G. Salgado y Fran MM cabeza de vaca respectivamente. Fue grabado en 2009 en el IES Antonio Domínguez Ortiz, ubicado en el barrio de las Tres Mil Viviendas en Sevilla. Se trata de un documental relacionado con la enseñanza y la educación. La temática de dicho documental es la educación expandida, que trata de reflejar que la educación puede ocurrir en cualquier momento y de diferentes formas adaptándose siempre a las necesidades del alumnado para conseguir un aprendizaje significativo.

La tesis de este documental es que se puede educar a las personas de cualquier forma y en cualquier momento. No siempre hay que seguir el modelo tradicional educativo, sino que se puede romper con dicho modelo y adaptar los procesos de aprendizaje a las necesidades de cada persona. Cada persona es única con unas circunstancias diferentes y en ocasiones hay que buscar la manera correcta de motivarlos a aprender, de enseñarles a que saben más de lo que piensa, a que hay vida mucho más allá de la suya, etc. Este documental nos quiere hacer ver que nunca es tarde para aprender siempre que se pongan ganas y se busque la forma de que el aprendizaje sea significativo para todas las personas. Todos los días hay cosas nuevas que aprender y cosas nuevas que enseñar.

Los autores de este documental tenían como objetivo relacionar el conocimiento de las personas con la vida de cada una de ellas, adaptar el aprendizaje de manera que a esas personas les gustará aprender, que sintieran ganas de aprender y se lo pasarán bien aprendiendo. Dichos autores pretendían darle a las personas la oportunidad de recibir la educación que nunca habían tenido, ya que muchos profesores consideran que ellos por pertenecer a las familias a las que pertenecen y por vivir donde viven no van a conseguir nunca un futuro laboral en condiciones, no van a conseguir realizarse como personas humanas que es lo que son. Los autores buscan que las personas muestren sus conocimientos, saquen todo lo que llevan dentro. Por otro lado, los autores pretenden enseñarle a la sociedad que hay diversas formas de aprendizaje que se pueden llevar a cabo, que no siempre hay que seguir las mismas técnicas de aprendizaje y que no para todos los alumnos son eficaces las mismas técnicas, sino que a cada uno de ellos les viene mejor una diferente.

Este documental podemos relacionarlo con películas por ejemplo como "la Ola" en la que la metodología empleada es diferente a la tradicional y busca una nueva forma de trabajar donde los alumnos aprendan de manera significativa y estén implicados en su propio aprendizaje. Con otra película que podría estar relacionada sería "El club de los poetas muertos", en la que los alumnos estaban tan acostumbrados al método tradicional que cuando el maestro buscó una nueva manera de enseñanza aprendizaje les resultaba extraña a pesar de que dicha metodología era mucho más eficaz para su aprendizaje. Dicho documental tiene también cierta relación con "La Pedagogía del Oprimido de Freire" en la que se refleja que a las personas hay que rellenarlas de conocimiento como si fueran cuencos vacíos y hacerles ver que siempre hay que seguir una misma ideología y no dejarles expresar sus opiniones, ni conocimientos.

La metodología que se lleva a cabo propone una investigación innovadora, abierta y quede fuera de lo que conocemos como una estructura tradicional de la educación, nos lleva a que esta metodología sea sencilla a la hora de realizarla, ya que se llevan a cabo las ideas de los alumnos. Realizar una metodología basado en las ideas de los alumnos es muy práctico, ya que tenemos conciencia del lugar del que debemos partir y hacia dónde debemos dirigirnos, es decir, los contenidos que debemos dar en clase. Este tipo de metodología hace posible que exista una comunicación entre los profesores y el alumnado. Con esta metodología también observamos que se aprende mejor, ya que es mejor aprender algo que nos llama la atención a algo que se encuentre impuesto en un libro de texto. Desde este tipo de metodología podemos trabajar multitud de temas, y la figura que nos aporta la fuente de información no es solo el maestro, sino que puede llegar desde cualquier persona que sepa de este tema en concreto. Esto favorece un mejor ambiente en el proceso de aprendizaje, poniéndose en práctica simultáneamente el trabajo en equipo, lo que ayuda a fomentar la socialización, que los alumnos sean los organizadores de su aprendizaje, a perder la vergüenza, disminuir la inseguridad a hablar en público, etc. También esta metodología creará un buen ambiente en el ámbito de la clase, al prestarse ayuda unos a otros.

Encontramos otra ventaja, y es que los alumnos ven a sus profesores como “semejantes”, como con otros compañeros que colaboran en esta tarea, esto fomenta a que se aumente los lazos que existen entre los profesores y los alumnos. La filosofía de esta metodología es el aprendizaje desde un punto constructivista donde todo el mundo que quiera puede participar, es decir, en la cooperación, basada en la filosofía freiriana. Con esta metodología se cambia la visión que tenemos sobre la educación, lo que podría causar ciertos problemas a aquellos profesores y padres que no conciban la educación como transmisión de conocimientos de unos a otros, y conciben que se aprende copiando y realizando actividades de los contenidos.

Un punto negativo es que únicamente podemos realizarla durante un periodo de tiempo ya que necesitamos que siempre se encuentren en el aula un profesor extra y distintos materiales que no son convencionales en el aula.

La educación tradicional nos da cierta seguridad y todo aquello que no se ve como normal o que “revoluciona” el aula tal y como la conocemos nos asusta, pero creemos que los futuros profesores deben vencer ese medio e ir modelando una nueva educación con nuevas alternativas y nuevos métodos de aprendizaje, que favorezcan el diálogo, la motivación, etc.

Actualmente, existen países que se adaptan mucho mejor a este tipo de propuestas como Finlandia, mientras que, en nuestro marco educativo actual, este proyecto cuestiona todo el sistema educativo tal y como lo conocemos.

Para finalizar planteamos una serie de preguntas que han surgido de la visión y el análisis del documental: ¿es posible llevar a cabo este tipo de proyecto actualmente en un centro?, ¿estamos preparados para cambiar nuestra visión de la educación?, ¿ha cambiado la mentalidad desde la realización del artículo hasta nuestros días?, ¿encontraremos dentro de unos años este tipo de metodologías en todas las escuelas de España?, ¿enseñaran a los futuros maestros a realizar este tipo de metodología, o solo las tradicionales?

Prácticas artísticas

Todo lo que tenga que ver con el arte tiene su práctica artística. Existen las tradicionales y las contemporáneas, ayudadas por el descubrimiento de las nuevas tecnologías.

Podemos encontrar numerosos tipos. Entre ellos, destacamos:

• Pintura: arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas.
• Escultura: arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, etc. Representando objetos o figuras de bulto.
• Música: arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos.
• Teatro: rama del arte escénico relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música sonido y espectáculo.
• Danza: forma de arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos.
• Cine: arte de representar imágenes en movimiento por medio del cinematógrafo. La historia de la cinematografía se inicia en 1895, año en que los hermanos Lumière realizan en París la primera proyección cinematográfica.
• Arquitectura: arte y la ciencia de diseñar edificios. En los siglos pasados, los arquitectos se ocupaban no sólo de diseñar los edificios, sino que también diseñaban ciudades, plazas, alamedas y parques, y objetos de uso en las edificaciones, como los muebles.
• Literatura: arte que utiliza como instrumento la palabra. Por extensión, se refiere también al conjunto de producciones literarias de una nación, de una época o incluso de un género (la literatura griega, la literatura del siglo XVIII, la literatura fantástica, etc.) y al conjunto de obras que versan sobre un arte o una ciencia (literatura médica, literatura jurídica, etc.). Es estudiada por la teoría literaria.

• Algunas prácticas artísticas contemporáneas:
• Arte Povera: corriente estética creada como reacción frente al arte tradicional. Se vale de objetos de desecho o sin valor real ni artístico, ajenos a denominaciones como bello, hermoso o exquisito.
• Pintura de acción: surge en estados unidos cuando un grupo de pintores, pertenecientes a la corriente del expresionismo abstracto, quieren darle a su pintura una impronta de carácter gestual, que en el aspecto técnico consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo, de manera enérgica y espontánea sin esquema previo, de tal manera que la superficie del lienzo se convierta en un "espacio de acción“.
• Arte genético: arte enteramente realizado en computadora, basado en algoritmos genéticos.
• Happening: manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

• Arte digital: disciplina de las artes plásticas que comprende obras en las que se usan elementos digitales, tanto en el proceso de producción como en su exhibición. Los soportes de este tipo de estilo son digitales, por ejemplo, el ordenador, que efectúa cálculos para crear por ejemplo una imagen o un sonido combinando los parámetros programados con un componente de aleatoriedad.
• Arte conceptual: aquel en el que prevalece la idea sobre la realización artística, es decir, la característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual se puede definir como una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. 
• Body art: vertiente del arte contemporáneo que toma el cuerpo como medio de expresión y/o materia para la realización de los trabajos, asociándose frecuentemente a happening y performance. Se trata de tomar el cuerpo del artista como soporte para realizar intervenciones, de manera general, asociadas a la violencia, al dolor y al esfuerzo físico. 

• Otros:
• Arte de acción:
• Flashmob: acción organizada en la que un gran grupo de personas se reúne de repente en un lugar público, realiza algo inusual y luego se dispersa rápidamente.
• Lipdub: vídeo musical realizado por un grupo de personas que sincronizan sus labios, gestos y movimientos con una canción popular o cualquier otra fuente musical.
• Estatuísmo: arte de representar con el cuerpo, esculturas reales, clásicas y existentes en el mundo, de diferentes artistas, lo mas idéntico posible, con la inmovilidad total, por el término de varias horas, es decir, sin ningún tipo de movimiento, ni siquiera para saludar o agradecer, y con la mayor semejanza a la obra original que lo inspira.
• Performance: Espectáculo de carácter vanguardista en el que se combinan elementos de artes y campos diversos, como la música, la danza, el teatro y las artes plásticas.
• Nuevos medios:
• Fotografía: técnica de obtención de imágenes por la acción química de la luz sobre una superficie con unas características determinadas.
• Vídeo: Sistema que permite la grabación de imágenes y sonidos en una cinta magnética que después puede reproducirse y verse en la pantalla de un televisor.
• Stop motion: técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

Nuestra propuesta

El Sistema Educativo actual le da mucha importancia a las asignaturas troncales, como son Lengua y Matemáticas. Deja en segundo plano, como si apenas existieran a Educación Artística, Música o Educación Física, siendo estas las que más fomentan la creatividad y las que más motivan a los alumnos. 

Por tanto, nuestra crítica va dirigida a que todas las asignaturas han de tener la misma importancia, ya que cada una de ellas desarrolla unas cualidades diferentes en los estudiantes.

Si el problema está en que no hay demasiado tiempo para enseñar todas las asignaturas por igual, existen otras alternativas, como trabajarlas interdisciplinarmente mediante los proyectos de trabajo.

Para ello, nos caracterizamos cada una de nosotras de una asignatura y simulamos una entrega de premios. En el primer puesto, encontramos a las asignaturas de Lengua y Matemáticas, las cuales son las materias a las que se le da mayor importancia. En segundo lugar, encontramos a las Ciencias y a los Idiomas, aunque optarían al primer puesto. En el tercer y último puesto, estarían las asignaturas de Educación Artística, Música y Eduación Física, las cuales apenas no tienen relevancia en el Sistema Educativo actual. A su lado, encontramos a una figura política con unas tijeras, simulando los recortes en la educación. Las asignaturas de Religión y Ciudadanía, se encontrarían entre el segundo y el tercer puesto, debido a que no se sabe realmente qué importancia o qué lugar ocupan en la educación.

Con ello, hicimos las prácticas artísticas de estatuísmo y flashmob en tres puntos distintos del centro de Sevilla. El primero se realizó en la Plaza del Triunfo. Posteriormente, nos fuimos al Ayuntamiento. Por último, estuvimos en las Setas de la Encarnación.

Este es el resultado: